中原悌二郎（1888–1921）は、わずか33年の生涯で日本近代彫刻に「人間の精神性」を刻んだ彫刻家である。彼の作品の核にあるのは、外形の写実ではなく、生きる苦悩や存在の真実を形にすることだった。対象を観察するのではなく、そこに宿る「人間の内奥」を掘り出そうとした。その造形は、荒削りな面の中にも深い感情が潜み、静かな熱をもって観る者に迫る。彫刻とは「生の証を刻む行為」―それが中原の芸術の根である。1888年、北海道釧路市に生まれる。東京に出て洋画を学ぶが、やがて彫刻に転向。1910年に《老人の頭》で文展初入選、1916年には《石井氏の像》で樗牛賞を受け注目を集めた。以後、《若きカフカス人》《憩える女》など、内面的精神を象徴する作品を次々に制作。その写実の背後にある精神性は、後の舟越保武や柳原義達らにも受け継がれた。1921年、肺結核のため33歳で夭逝。しかし、彼が彫刻に求めた「人間の魂を形にする」という志は、今もなお日本の具象彫刻の原点として生き続けている。
橋本平八（1897–1935）は、「自然と時間の声を聴く」ことを彫刻の本質に据えた、孤高の彫刻家である。彼の作品は、形の新奇さを求めるのではなく、素材そのものに宿る生命と時間を聴き取る行為として生み出された。とりわけ代表作《石に就いて》（1928）は、石を「彫る」ことではなく、長い歳月を経て形成された自然の呼吸を「聴き取る」試みであった。そこには、創造とは意志の表出ではなく、自然と無意識の共鳴によって形が生まれるという思想が流れている。橋本にとって彫刻とは、自然と人間の境界を越えた、存在そのものへの祈りであった。1897年、三重県度会郡（現・伊勢市）に生まれる。東京美術学校で彫刻を学び、1922年に《猫》で注目を集める。1927年、日本美術院同人となり、1928年には《石に就いて》を発表。以後、木や石の素材に潜む時間の記憶をテーマとする独自の制作を展開した。その造形は静謐でありながら、素材の奥に潜む生命の声を伝えるもので、日本的精神と東洋的自然観を体現している。1935年、38歳で夭折。短い生涯でありながら、その思想は後の日本彫刻に深い影響を与えた。
舟越保武（1912–2002）は、「祈りと人間の内なる光」をテーマに、精神と形の融合を追い求めた彫刻家である。彼の作品は、信仰に根ざした静けさと、苦悩を抱えた人間の存在の崇高さを同時に表している。1950年に長男を失った深い悲しみの中でキリスト教に帰依し、以後の作品には、苦しみを包み込むような柔らかな光と沈黙の祈りが流れはじめた。代表作《長崎26殉教者記念像》《原の城》などには、人間の脆さと同時に、魂の希望を見つめ続けた舟越の思想が刻まれている。彼にとって彫刻とは、形を通じて「人間の尊厳と信仰の証」を刻む行為であった。1912年、岩手県一戸町に生まれる。東京美術学校（現・東京藝術大学）彫刻科を卒業後、 1939年、新制作協会彫刻部の創立に参加し、石彫を中心とした具象表現を追求する。戦後、宗教的題材を中心に独自の精神性を築き、1967年から東京藝術大学教授として後進を育てた。 1986年に同大学名誉教授となる。1987年、脳梗塞で右半身に麻痺を負うが、左手で制作を続け、晩年には信仰と芸術が完全に融合した、清冽な作品世界に到達した。2002年、89歳で逝去。彼の彫刻に流れる静かな祈りは、今も人々の心に深く響いている。
柳原義達（1910–2004）は、戦後日本の具象彫刻を代表する彫刻家である。彼の作品は、生命の息づかいと存在の重さをテーマとし、鳩・鴉・犬・裸婦など、身近な題材の中に「生きるものの気配」を鋭くとらえている。その造形は、力強くも静謐で、物質が呼吸しているかのような量感と緊張感をたたえている。「形をつくるのではなく、生命の立ち上がる瞬間を掴む」―それが柳原の創作の核であった。1910年、兵庫県神戸市に生まれる。1936年に東京美術学校（現・東京藝術大学）彫刻科を卒業。 1939年、新制作派協会彫刻部の創立に参加し、以後、戦後彫刻の中心的存在として活動した。 1952年から1957年にかけてフランスに滞在し、ヨーロッパの彫刻に学びながらも、自身の「生への感覚」を深化させる。 帰国後は、独自の具象表現を確立し、1958年に第1回高村光太郎賞、1974年に第5回中原悌二郎賞大賞を受賞。その後も後進の育成に努めながら、晩年まで精力的に制作を続けた。2004年11月11日、94歳で逝去。 静かな素材の中に宿る生命の鼓動を聴き取るような柳原の彫刻は、今もなお多くの人々に深い感動を与え続けている。
最初の犬の唄作品
1950年 ブロンズ 170×47.5×40㎝
円熟期の作品
1961年 ロンズ 153.0×62.0×62.0cm
完成期の作品
1983年 ブロンズ
完成期の作品
1983年 ブロンズ
パリ留学
1956（昭和31）年 ブロンズ 64.0×22.5×20.0cm
パリ留学
1956（昭和31）年 ブロンズ
帰国後の作品
1959（昭和34）年 ブロンズ
帰国後の作品
1960（昭和35）年 ブロンズ
戦前の作品
1940（昭和15）年 ブロンズ
1948（昭和23）年 ブロンズ
1951（昭和26）年 ブロンズ
1910年（明治43年） ブロンズ 26×19.5×14
1918年（大正7年） ブロンズ 51.5×31.5×32
1919年（大正8年） ブロンズ 31×35.5×15
1919 ブロンズ，鋳造37.5 x 26.0 x 22.0cm
1916年（大正5年） ブロンズ 60×36×43
1916年（大正5年） ブロンズ 39.5×23×21
1919年（大正8年） ブロンズ 31×35.5×15
1919 ブロンズ，鋳造37.5 x 26.0 x 22.0cm
私が彫刻を愛する理由 私が彫刻に惹かれるのは、作品が圧倒的な「存在」として私の前に立ち現れるからである。 絵画のように平面の向こうに世界が広がるのではなく、 彫刻はその場に、確かに「いる」。 私はその存在感の前に、いつも息を呑み、ただひれ伏すしかない。 その瞬間、私の中に問いが生まれる。 ――なぜこの人は、このような形をつくったのか。 ――この形は、何を語りかけているのか。 それは鑑賞というより、作品と私との対話の始まりである。 沈黙の中にある形の声を「聴く」ことで、 私は創造の背後にある思索や祈りのようなものに触れようとする。 橋本平八の作品《石に就いて》を前にしたとき、 私はまさにその「聴く芸術」に出会った。 橋本は、石という素材の奥に眠る時間の呼吸を感じ取り、 自然の声に耳を傾けながら、最小限の手を加えた。 その創造は、意志ではなく、自然とともに生きる無意識の共鳴であった。 私はその静かな力に圧倒されながら、 彫刻が単なる形ではなく、「生命の記憶」であることを悟った。 私にとって彫刻は、人間と自然、創造と存在の境界を越える場所である。 作品の前に立つとき、私は一人の観客ではなく、 その形を通して芸術家と、そして自然と、 時空を超えた対話をしているように感じる。 そこでは、言葉を超えた「聴く体験」が始まり、 私の想像力は限りなく膨らみ、心の深部に静かな風が吹く。 彫刻を撮るという行為もまた、その「聴くこと」の延長である。 写真のレンズを通して形に向き合うとき、 私は彫刻家の思考と、素材の呼吸と、 時間の流れに寄り添うようにして一瞬を切り取る。 その一枚一枚の中に、 芸術家の魂のひびきと、私自身の感応が重なり合う。 こうして私は、彫刻写真を通じて、 芸術がもつ「沈黙の力」を伝えたいと思うようになった。 彫刻家が見た自然、自然が語る時間、 そしてそれを受け止める人間の心―― その三者が共に呼吸する場所として、 私はこのHPをつくった。 ここでは、私が撮った彫刻写真とともに、 それぞれの作品が語りかけてくる声を、 芸術論という形で綴っていきたい。 私が橋本平八から学んだ「聴く」という態度をもって、 彫刻の沈黙の中に流れる生命の時間を、 皆さんとともに感じ取っていければと思う。